问：现在是短视频和流媒体特别发达的时代，拿着手机也能拍短片。如果一个年轻人真的想把拍电影当成职业，基于您的经验，您最想给他们的避坑建议是什么？

陈哲艺：我是觉得，现在大家都很关注短视频、AI，担心很多工作、岗位会被取代，但我一点都不害怕，我反倒愿意迎接AI时代，我认为AI时代本质是属于创作者的时代。

现在很多短视频都在照搬抄袭，看到别人的梗、固定套路就反复复用，连台词都直接抄。包括AI，生成内容依托的也都是人类过往产出的素材，同质化复制现象特别严重。

可只要你拥有独立观点、创作方向和专属个人作者风格，就很难被替代。现在海量短视频内容高度趋同，如果你能用最诚恳、极具个人化的视角去挖掘人性、拍摄画面、讲述故事、撰写台词，你的作品自然会脱颖而出，你会被看到。

很多人觉得当下行业环境是最坏的时代，我却认为这是最好的、独属于创作者的时代。套路化、模板化的类型内容极易复制抄袭，但AI或是其他人，永远复刻不出我的电影。哪怕只是一个空镜头、一场戏的情绪表达，都带着独属于我的叙事质感、观察视角与镜头节奏。别人或许会用碎片化、快节奏的方式草草带过画面，而我愿意放慢节奏细腻捕捉情绪，这份独特性无法被取代。

所以我就觉得，去捍卫自我，去保护自己的灵魂，在这个时代是最重要的，而不是一窝蜂地去跟着潮流。

问：您之前在中国大陆创作了电影《燃冬》，也一度将创作与活动重点放在了大陆。最近您又回到新加坡拍摄了《我们不是陌生人》。想请问您在大陆跟新加坡创作中有什么不同？

陈哲艺：我觉得两地拍戏差别最直观的一点，就是中国剧组规模很大。当初拍《燃冬》时，我第一次看到剧组名单，列出来大概200个人，我实在不习惯现场有这么多人。我就说我不习惯有那么多人在现场。之后我就跟制片方沟通精简人员，最后只砍到110个人。但是合作的很多演员到片场都感慨，“哇，这个剧组好小。”（国内）人比较多，当然我感觉可能速度、效率也很快。

但是其实不变的地方是，我觉得创作还是一样，你每天还是摆着那个镜头，捕捉那个情感，跟演员讲戏。作为一个创作者，一个导演，每天都有同样的创作焦虑，我觉得这个是不变的。

我在新加坡成长，在中国拍片，也去欧洲拍过电影，这么多年创作每一部作品，我都试着打破固有的创作思路，做出创新，我不希望一直在重复自己。我也十分期待日后再来中国拍戏，这里有非常优秀的幕后主创，还有不少我一直想要合作的演员。

问：您的电影会有一个共通的母题，就是萍水相逢的一些人之间的短暂交汇。那这次《我们不是陌生人》给我的感觉是，我会觉得没有以前的电影那么压抑了，会更温柔一点、乐观一点，是心态上有所转变吗？

陈哲艺：我觉得这是件好事。写完剧本之后，我跟所有主创还有演员都说，拍了这么多年电影，拍片过程其实挺痛苦的，我不想每一部作品都给观众留下心里又酸又痛的那种感受。我的电影虽然情感上很饱满，但是总会让人感觉说沉重、压抑。

这几年我跑过不少电影节，看过很多社会题材影片，大多聚焦底层人群遭受剥削、生活困顿，整体色调十分灰暗。看到结尾，有点像掐着你的脖子，让你感受到非常的无奈，不止无奈，无望。

我希望找到人世间的美好。我跟剧组的所有同仁们说，要从角色身上发掘闪光点。我也想说，为什么每天努力工作的那些基层人们，就不能享受到浪漫、爱情、美好。当然他们也会受到他们的挫折，也会有自己的失落，但我希望找到这个美好。

（你会不会觉得。亚洲，尤其是像新加坡啊，或者是中日韩，东亚三国，有一种“人上人”的系统啊，大家都要一直要卷的这种状态。）

在外人眼里看新加坡，大多只看得见富裕光鲜的一面，不少朋友都会问我，新加坡人是不是都很有钱。大家看到的都是表面：城市整洁、办事高效、薪资可观、居住条件舒适。如果你仔细去看，新加坡的穷跟其他发展中国家的穷又不一样。

这座城市生活成本极高，普通人一辈子拼命劳作，为糊口不停为国家、社会、公司消耗自己，根本没有多余时间停下来放空、思考，也没有机会喘息。体量更大的国家，至少你还可以跑的出去，可以找个地方躺一下，可在新加坡，躺也躺不平，新加坡人其实压力是很大。

新加坡面积不大嘛，它有点像香港那样，很多高楼，所以你看人挤人，没有空间跟时间去沉淀，或者去整顿自己。我觉得，当然亚洲社会，东亚社会都是这样，但是我毕竟是新加坡人，所以我把焦点就放在新加坡。

新潮观鱼：正好我也想聊一下新加坡。您的早期作品《阿嬷》是非常经典的作品，最近中国也有一部讲“阿嬷”的电影《给阿嬷的情书》，正在新加坡上映。有一些新加坡媒体围绕新加坡华人的身份认同、文化认同，提出了些无谓的担忧。您既是新加坡人，同样也承担着影视文化传播的职责，您对此是什么看法？

陈哲艺：《给阿嬷的情书》我大概是一个月前，接着地气看的，我是在广州看的，当时看的是周六晚上九点的场次，现场有很多潮汕观众，整场都能听见大家讲潮汕话，跟着一起看特别有代入感。

我祖籍厦门，闽南这边也把奶奶叫作“阿嫲”，所以这个片子本身我是有很深的代入感，所以我也有被感动。我没有特意关注新加坡当下围绕这部影片出现的各类舆论，但我们大多是当年下南洋的南后代，所以对这个作品本身肯定还有很深的情感，

（那像这两部作品能够在这些地区引起广泛共鸣，您认为，打动观众的核心原因是什么？这类影片对于亚洲影视的互通交流，可以起到怎样的意义呢？）

就是家庭，责任。我觉得他很多的情感都是非常共通的，所以感触会很深，我也不意外。我必须说，作品很诚恳，我觉得现在大家都想要看到诚恳的作品。

问：在您的创作中可以看到您对自身风格始终非常坚持，但如果站在您的角度，面对一个目前在中国相对低潮的行业环境，您认为导演应该如何取舍商业、观众和自身的风格？

陈哲艺：我感觉，其实一个创作者最后他要回归到“你为何要拍电影”。很多时候大家都喜欢问，要怎么去迎合市场？我反而想的是，一个创作者跟电影的关系是什么？

有些我在国外一些朋友，他们就会说，“哲艺，你干嘛那么认真？就干个活，你干嘛掏心掏肺的，边拍边哭，那么辛苦。”对他们来说，他就很享受在片场的感觉。他拍一个喜剧他也开心，他只要有的工作他也很开心。我觉得他回归到，人跟创作的关系。

但有些人，比如说我，对我来说创作是很个人的事，所以最后这个作品最重要的还是要面对我自己。所以我最在乎的是，我有没有很诚实地对待这个作品，对待里面的人物。

如果一个创作者，你花很多心力去迎合，资方说什么，市场说什么。而且很多人都觉得自己懂市场，说这样的团队加上这样的故事，就会有怎样的成绩，但是最后算来算去，你也没有达到那个成绩。所以我觉得，做好自己，面对自己，我觉得那个是最重要。

（你之前在大师班说觉得现在拍电影觉得自己越来越难嘛。为什么到了一个很成熟的阶段，反而会觉得更难？）

我年轻的时候会以为说，诶，你得到更多，你的功底更扎实，功夫更好之后，你更有资历之后，拍电影会反而越顺手，越容易。但是其实不是，我反而觉得拍电影会越来越难，因为之前你懂得越多，你就越焦虑。

之前是在一个更无知的一个心态下面创作的，等到后来思路愈发清晰，每一场戏想要达成的效果、镜头该如何调度、依靠镜头运动传递怎样的情绪、演员需要呈现出何种状态，心里都有明确标准。可你越清楚，可能你的团队或你自己，或者你合作演员没有达标的时候，会更让你心酸、心疼。

有时候，我非常羡慕还在电影学院求学的学生。他们常常能拍出惊艳动人的画面，很多时候自己都说不清其中缘由，只是单纯依靠直觉，觉得画面氛围动人就定格下来。我看了都会觉得哇，这个好棒。

但现在我心里都有很清晰的想法，要是团队或者合作的人达不到预期，就会很难受。不知道那个效果还好，可我明明看得见作品能达到的样子，最后却完成不了，这会让导演特别焦虑、心疼。

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